En el programa anterior,
iniciamos el recorrido por esta exposición
de la mano de Suset Sánchez,
y descubrimos, en las primeras salas,
obras que nos acercan al mundo de la infancia
y adolescencia de este desconcertante artista japonés.
Dada la intensidad de su obra,
decidimos continuar la visita con Suset.
Un destallado recorrido,
que abarca unas 70 obras, fechadas entre 1996 y 2004,
poco antes de su muerte repentina en el año 2005.
Es el tema central en toda la obra de Ishida.
Se suceden en sus obras las imágenes...
de las maquinas trasportadoras, de las fábricas... es decir,
pero siempre vamos a ver,
que el individuo que está dentro de esa escena,
es un individuo que está en crisis,
es un individuo... o agotado, absolutamente,
por las extensas jornadas laborales
y por la sobre-explotación del cuerpo en ese sistema,
o incluso, como en esta obra,
que es una de las piezas centrales de la exposición,
y se llama "Retirado", es el cuerpo de un individuo
que ha sido retirado para ser reparado... o no,
evidentemente, esto nos habla de cómo, incluso,
este sistema de caducidad de los objetos, de los bienes de consumo,
se desplaza hacia el propio cuerpo, y donde, de alguna manera,
la propia reflexión sobre qué implica la vejez,
qué implica llegar a una edad determinada,
hace que te conviertas en un objeto en desuso para la sociedad.
Es decir, nos olvidamos de ti, te relegamos de la vida útil,
y pasas a ser, precisamente, un estorbo,
o algo que hay que dejar hacinado en un trastero.
Volvemos a la imagen del niño.
Esa imagen de la infancia donde lo que se extrañan son los cuidados.
Es decir, estamos tan acostumbrados a vivir en ese tiempo,
en esa vorágine entre el trabajo y el consumo,
que esas otras partes que son las de los cuidados, las de los afectos,
las de relaciones familiares, con los amigos,
con la gente que forma parte de tu comunidad más cercana,
termina extraviándose.
Entonces, al final, terminamos volcando sobre el propio consumo
esos desplazamientos de lo que eran los afectos,
de lo que eran los cuidados.
Una vez más, el mundo de la oficina,
el mundo de la uniformidad, todos somos iguales,
vestimos iguales, consumimos de la misma manera,
todos apretamos un botón y tenemos la mercancía en nuestras casas.
Es decir, es ese mundo, evidentemente,
de las sociedades posindustriales, de las sociedades desarrolladas,
supertecnologizadas, el que refleja Ishida.
Es el mundo de los cajeros electrónicos,
es el mundo de la opresión del capital.
Es una obra que refleja, quizás, que condensa,
es una especie de "haiku", por llamarlo de alguna manera,
de lo que es esa crisis que vivimos, esa opresión del capital,
la opresión del dinero sobre nuestras vidas, es decir...
estamos hipotecados,
pero no estamos hipotecados sólo a nivel literal, no,
es decir, no es sólo por comprar una vivienda,
toda nuestra vida está hipotecada
en esas pérdidas de un tiempo de calidad, de un tiempo humano,
de un tiempo que no esté sometido
a ese sistema entre producir y consumir,
entre el trabajo y el tiempo de ocio,
que se convierte en tiempo de consumo, también.
El hecho de que Ishida, una y otra vez, en sus cuadros,
reafirme esta condición objetual del individuo,
esta cosificación del individuo, es muy sintomática de una crisis.
Es decir, de una crisis de identidad,
de una pérdida de lo que eran valores que habían primado,
y que con la modernidad, con el desarrollo tecnológico,
con el desarrollo del capitalismo,
de alguna manera hacen, que tu identificación sea fetichista.
Es decir, realmente,
hay una reedificación de la mercancía en el cuerpo del sujeto.
Nosotros somos marcas, vestimos marcas,
nos convertimos en esos seres atrapados que van todo el tiempo
a hacer publicidad de los objetos y de las marcas.
Es decir, somos un iphone, somos... pues... una marca de tenis,
y respecto a eso se nos evalúa,
respecto a eso se nos da cierto reconocimiento.
Pues, esa condición objetualizada del individuo,
es la que una y otra vez está en las obras de Ishida.
Pienso que Ishida quería encontrar ese punto de vergüenza,
ese punto de autoculpa que todos sentimos cuando,
de alguna manera, actuamos de forma menos crítica
ante los convencionalismos del sistema, quizás... son hipótesis,
pero creo que, evidentemente, cuando recorremos toda la exposición
y nos damos cuenta de cómo él va analizando
cada aspecto de la vida del sujeto contemporáneo,
lo que encontramos es una profunda crisis al sistema
y, sobre todo, una gran incertidumbre sobre...
cuáles son los modos posibles de escapar a esta situación,
de poderse escapar, si existe esa posible utopía,
de encontrar un modo alternativo de vida que no sea...
el que está subsumido en las formas del capitalismo
y en la sobre-explotación del cuerpo...
del individuo, a fin de cuentas, en el capitalismo.
Estamos aquí frente a una obra que es impresionante.
Cuando una vez más él sitúa los cuerpos en colectividad,
son cuerpos que están situados ahí, una vez más, para consumir.
Pues esta gran masa anónima, a la que nos han sometido,
y que es muy difícil encontrar tu lugar, un lugar de diferencia,
un lugar donde tu subjetividad, como individuo particular,
pueda ser reconocida por otros.
Es decir, la crítica es continua en toda la obra de Ishida,
trátese del sistema de la educación, de la escuela en la infancia,
trátese de la adolescencia, trátese del mundo del trabajo,
el mundo de la empresa, de la fábrica, de la producción.
Esta pieza, por ejemplo,
que tenemos frente, que se llama "Soldado",
una vez más representa este arquetipo del "salaryman",
en este caso, encerrado en la urbe moderna, entre los edificios.
Es un sujeto donde el paraguas se convierte, casi, en un fusil,
es decir, en su arma de batalla.
Es un individuo pero que siempre, además, está aislado,
siempre lo vas a ver atrapado, ya sea dentro de un edificio,
su cuerpo convertido en el edificio, o rodeado por esas paredes.
Pero, sobre todo, a mí me interesan estas obras
que estamos viendo aquí, a continuación,
que son obras de interiores de viviendas.
Te comentaba que Ishida pertenecía a esa generación,
que se ha llamado como la generación perdida en Japón,
y que seguro, muchos, reconocerán la palabra "hikikomori",
que son estos adolescentes que se encierran en sus habitaciones
y viven totalmente al margen de la sociedad.
Una y otra vez Ishida representa estas habitaciones vacías,
estas habitaciones donde, evidentemente, habita un individuo,
pero que no tiene conexión con el mundo,
más allá de los libros, más allá de una máquina de fax.
En los cuadros de Ishida, sin embargo,
son ventanas que no conducen a ningún lugar,
son ventanas a través de las cuales no puedes ver,
o lo que ves son sombras, como el mito platónico,
tú lo que ves es la sombra pasar delante,
pero nunca ves realmente el mundo representado, no se puede ver.
Quizás un poco es la imagen que condensa la metáfora final
de este sentido de aislamiento que tienen las obras de Ishida,
y que lo que representan es precisamente el aislamiento,
la soledad del individuo contemporáneo,
por mucho que nos llamemos animales sociales,
por mucho que vivamos en sociedad,
por mucho que estaremos interactuando entre redes sociales,
al final, estamos solos en nuestra habitación.
Es decir, nuestra humanidad se termina en los perímetros,
en las cuatro paredes de nuestra habitación.
Cada vez que surge una empresa
que te pone más fácil consumir desde tu casa,
que te llevan las cosas,
que tú no tienes ni siquiera que ir al comercio de la esquina
a preguntarle a la vendedora de siempre...
es decir, es un síntoma, evidentemente, de que...
en aras de esa supuesta facilidad y ese supuesto bienestar...
que generan los bienes de consumo del capitalismo...
accesibles, baratos, muchas veces,
hace que cada vez nosotros nos recluyamos más,
que no sintamos la necesidad de desplazarnos,
de encontrarnos con otros cuerpos.
Entonces, al final, creo que son síntomas,
y son síntomas que recoge muy bien, perfectamente, la pintura de Ishida.
Entramos, ahora, en lo que sería la última etapa,
la última estación de la exposición.
Hay que decir que la exposición,
el recorrido que se ha hecho para la visita, el recorrido museográfico,
está pensado como un trascurso vital.
Empezamos en la infancia, fuimos hacia la adolescencia,
nos encontramos ya en la etapa adulta,
la de la responsabilidad, la del trabajo,
y luego nos encontramos en una etapa donde el cuerpo ha enfermado,
donde el cuerpo ya no ha resistido más toda esa presión,
toda esa crisis, toda esa alienación,
y de alguna manera, por osmosis,
o porque encarna esa enfermedad de nuestra sociedad contemporánea,
la enfermedad de la modernidad, la enfermedad de la sobre-modernidad,
ha caído enfermo, y traduce en su propia biología,
en su propio cuerpo, por reiterar la idea, esa crisis,
esas afecciones de la sobre-explotación.
Es un cuerpo, como vemos aquí, que sigue siendo cosificado,
es un cuerpo donde ya el objeto, no es el objeto para consumir,
es el objeto en deshecho, es el objeto roto,
un salvavidas que tiene un pinchazo, que no puede funcionar,
es el cuerpo cuya anatomía ya no es funcional, ya no es productiva,
por tanto, hay que desecharla, hay que enviarla a un hospital,
hay que ver qué se hace con ella, pero normalmente se le aparta,
se le esconde, porque no es el cuerpo perfecto,
el cuerpo de la belleza impoluta, es lo que hay que desechar.
Entonces, esta última fase de la exposición lo que muestra es...
los resultados de esa crisis,
cómo, de alguna forma, esa crisis del individuo,
del sujeto contemporáneo, sometido a la sobre-explotación,
y recalco la idea del capitalismo y del consumo,
termina por reproducir en su cuerpo los mismos males del sistema,
es el cuerpo enfermo, el cuerpo cancerígeno,
el cuerpo que tiene en sí las huellas de esta vida de excesos
y de esta vida disciplinar,
donde todo el tiempo se te ha sometido y se te ha sobre-explotado.
El cuerpo, a fin de cuentas,
abyecto de la esclavitud, de la contemporaneidad.
Toda la obra de Ishida es, en sí mismo, un gran grito,
un alarido de desazón, de dolor, de tristeza...
quizás una súplica, una pedida de ayuda,
el llamar la atención sobre las cosas que están mal,
y que, a fin de cuentas, hacen que paulatinamente nuestra humanidad
se vaya perdiendo cada vez más.
Ha llamado mucho la atención el hecho de que esta exposición
está teniendo un público que se detiene a observar.
El hecho de que tiene que lidiar...
con unos ritmos de visualidad, de visionado,
al cual nos han impuesto los medios de comunicación, las redes sociales,
donde tú simplemente vas pasando y vas pasando...
y no te detienes a mirar una imagen.
Eso, nos ha llamado mucho la atención en esta exposición,
que la gente, el público, los visitantes que vienen...
se detienen frente a las obras,
se detienen, observan la obra con detenimiento,
buscan los detalles, es un síntoma, de algún modo,
de cómo la gente conecta con lo que está representado en el cuadro,
cómo puede haber un punto de identificación
entre esta crisis que representan los cuadros
y la crisis que, quizás, nosotros mismos estamos viviendo.
Me gustaría, primero agradecer esta posibilidad
y este tiempo de calidad dedicado a ver la exposición con vosotros,
pero también me gustaría despedirte frente a una obra...
que creo que, por una parte es muy bella,
pero por otra parte es muy perturbadora.
Una obra como esta resulta altamente elocuente,
muy alentadora a pesar, evidentemente, de su dureza,
de la carga emotiva que trasmite, porque si te fijas, una vez más...
estamos dentro de esa habitación del "hikikomori",
la habitación que está entre cuatro paredes,
fuera hay un sujeto que no vemos, que está detrás de la ventana.
Esta pieza, específicamente, se llama "Búsqueda",
y me parece que es, quizás, el mayor resumen...
de lo que puede ser toda la obra de Ishida.
Es decir, esa búsqueda...
suponemos que de un bienestar, de una salida, de una escapatoria,
pero que termina haciendo mella del propio cuerpo del individuo,
de ese individuo que está tirado, que está aprisionado...
y que, sin embargo, intenta todavía salvar al otro...
personaje que está en la obra,
es decir, intenta salvar a sus semejantes.
Entonces, creo que de algún modo,
lo importante que tiene una exposición como esta,
haberla traído al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
y a un espacio tan emblemático como es el Palacio de Velázquez,
que acoge a todo tipo de público,
no solamente al público habitual de los museos,
porque es el público que viene a visitar el parque de El Retiro.
Lo interesante que tiene es que conecta,
no solamente por ser pintura figurativa, anecdótica,
sino que conecta porque yo creo que nos sentimos identificados
con esa presteza, con esa alienación... y quizás también,
miramos con cierta candidez o con cierto afecto estos cuadros
porque nosotros mismos, como público, como individuos, como sujetos,
estamos también buscando salidas, buscando escapatorias.
Teniendo en cuenta la gran afluencia de público
y la sorpresa con la que han recibido la obra...
de este artista desconocido aquí, en el parque madrileño de El Retiro,
no queríamos terminar el programa
sin recoger algunas de las opiniones
e impresiones de estas personas que, por casualidad,
han entrado a ver esta exposición.
-Pues íbamos paseando por El Retiro,
porque hemos venido unos días a Madrid,
y queríamos ver el Palacio de Cristal,
pero antes nos hemos encontrado este que es el Palacio de Velázquez,
y hemos entrado porque hemos visto que estaba anunciada la exposición,
y hemos decidido verla.
-No tenía ni idea del autor,
pasábamos por aquí y dijimos "bueno, vamos a entrar",
y la verdad que nos ha gustado mucho.
En el sentido de una sociedad que está manipulada,
que vive en una monotonía, todos tienen la misma cara...
en ese sentido.
-Aquí se refleja un presente,
pero encaminado a un futuro como que no hay cambio,
que no hay opción de una cosa diferente a lo que ya hay,
es que ya somos como maquinaria
y que lo que valemos es lo que producimos, simplemente,
y que no tenemos poder de cambiar nada.
No creo que refleje el futuro,
pero creo que refleja un presente en el que ya se prevé el futuro.
-He descubierto a Tetsuya Ishida, ahora,
con esta exposición, y me he quedado impactada.
Impactada porque expresa una tristeza profunda,
una soledad, la incomunicación...
-La temática te deja un poquito sobrecogido,
un poquito... así como pensativo, te da que pensar, también...
sobre la cultura japonesa, sobre el pensamiento del pintor.
Yo pienso que es una crítica a la cultura...
o la cultura ya global, porque ya prácticamente es todo,
al trabajo, al ocio, que está todo entremezclado...
o el poco ocio que tenemos los trabajadores.
Yo creo que la crítica que hace el pintor...
es un poquito la alineación de la persona
con respecto a eso, al trabajo, a la sociedad...
-Yo la veo, quizás, demasiado futurista,
así como... ir demasiado pesimista.
No creo que lleguemos a eso.
Es verdad que sí que se pueden dar casos puntuales...
y no parece que en España... estemos cerca de esto, vamos.
Primero, porque es como que el trabajo lo coge todo...
y aquí como no hay mucho trabajo, no vamos a tener ese problema.
Pero no, yo la veo eso, demasiado pesimista como para que pueda pasar.
-Lo veo un poco dramático, no creo que lleguemos a ese punto,
antes se solucionaran las cosas.
Si la gente ve estas obras se conciencia de...
para que no pase esto, justamente.
Tengo la sensación de que...
el autor está viendo que vamos hacia esa dirección...
y que todas son negativas respecto...
hace las obras, refiriéndose... que no vayamos para esa dirección.